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a crítica como prática comum e atônita ou por uma performance queer da repescagem  

a crítica como prática comum e atônita ou por uma performance queer da repescagem  

– por ana luisa santos –

[Foto de capa da postagem: imagem de Luiza Palhares, OUTRAS VINGANÇAS: LABORATÓRIO DE PERFORMANCE PARA DRAMATURGIA.  Link:  https://anasantosnovo.com/ATIVIDADES-PEDAGOGICAS  ].

belo horizonte, janeiro de 2022.

“Vou dar um exemplo pessoal: considerado a poesia como um dos componentes mais importantes da existência humana, não tanto como valor, mas como elemento funcional. Deveríamos receitar poesia como se receitam vitaminas. ‘Atenção, cara, na tua idade, se você não tomar poesia, não vai ter jeito…’. (…) É um pouco em função disso que conduzo minhas estratégias. O que fazer, em tal contexto, com tal pessoa ou com tal grupo, para que se tenha uma relação tão criadora quanto possível com a situação que se está vivendo – como um músico com sua música ou um pintor com sua pintura? Uma cura seria como construir uma obra de arte, com a diferença de que seria preciso reinventar, a cada vez, a forma de arte que se vai usar”. Félix Guatarri. 26/08/1982

segunda tentativa

a dificuldade é intensa – concentrar, concatenar ideias, conseguir parar de pensar um pouco na sequela cerebral da variante gamma que experimentei na segunda onda sem vacina no primeiro semestre de 2021, conquistar mais um momento de relação aberta com o celular, considerar fortemente o desejo de diálogo apesar de toda a tristeza e indignação, continuar sustentando a suspensão sem deixar de imaginar o chão…

escrevo há dias, diariamente, desde o final de 2019, um pouco antes da pandemia, “crônicas do mosteiro com wi-fi”[1] – uma espécie de diário em fichas. escrevo para treinar, encostar nas palavras, tentar expressar, não enlouquecer demais, registrar alguns momentos na dimensão do tempo alucinante dos últimos cinco ou seis anos.

testemunhei pouquíssimas obras de arte viva ou arte da presença nos últimos dois anos. articulei experiências audiovisuais, textuais – em papel e som – mas sobretudo em telas eletrônicas. uma das coisas que eu mais faço durante o dia é colocar o celular para carregar.

continuo fazendo crítica, não sei como. imagino, por exemplo, escrever um texto a partir de “estupidez”[2], vídeo de maria homem em seu canal de youtube. a crítica é principalmente buscar uma saída para não amargurar e, claramente, buscar compreender que a mudança já está compondo outros lugares. nem tudo é sobre você. e por isso às vezes é um pouco difícil pensar como escrever – na crítica é possível sair, deixar o espaço, ir para outra dimensão, olhar de outro ponto de vista – e, geralmente, em conjunto. a crítica como presença compartilhada, mesmo no digital, mesmo como “vala comum[3]” em outro contexto.

fui acolhida pela escola livre de artes – arena da cultura[4], de belo horizonte. não consigo atuar nas “redes sociais” da internet e utilizo as plataformas basicamente para troca de mensagens. estou impressionada com a “happycracia”[5] de eva ilouz e a “sociedade autofágica”[6].

ainda é sobre o fim, mesmo que seja o fim de um pesadelo, o fim de uma pandemia – e lembra o “pósfacio”[7] publicado no horizonte da cena em 2019, antes da pandemia. parece que tem alguma coisa de “um depois ainda sem nome”[8] – uma pesquisa sobre o aplauso. desdobramentos no “núcleo de pesquisa sobre o cansaço e outras heresias afetivas”[9].

tem um tempo, antes ou depois da performance, do ato de performar artisticamente, que altera a sensação da proposta como uma atualização aberta do encontro, do acontecimento. algumas artistas podem considerar a necessidade de concentração ou de retorno, antes ou depois da ação, para equalizar o tipo de vibração que o corpo experimenta. o estado de suspensão da condição atual em 2022 prolonga esse tempo que o corpo pede, antes ou depois, abrindo a reflexão[10].

os textos espalhados, aquela confusão, uma dificuldade de editar. como articula? a imagem – onde? em muitos lugares, em muitos perfis, em muitas aulas. onde está a imagem no trabalho? a cerca de[11].

não escrevo mais como antes, pelo menos por enquanto. o texto me pede outro tipo de jogo power point. um slide que consiga transmitir meu apreço profundo pelo tipo de experiência aberta da manifestação artística, da expressão sensível, da criação, da decifração de novos estados. quem sabe, decantar[12] – eu ouvi essa palavra em uma entrevista – o sólido, o líquido ou o processo?

tentativa anterior

praticar a leitura, constantemente, e na medida do possível. escrever como um dia é na prática. continuar se espantando. espalhar. ampliar o que pode ser manifestação de arte ou prática artística. ser profissionalmente sensível. criticar a vida – e a morte – e o que pode ser, deixar de ser, ser demais. cuidar dos sentidos diversos sensoriais e simbólicos. desapegar de conceitos. abrir para a experiência. cavar, cavar muito por algum tipo de experiência. guardar o silêncio. lembrar, mesmo que seja para esquecer, de novo. errar diferentemente. criar outro texto, sinopse, dramaturgia em diálogo. permitir a entrega. sonhar com o encontro. aceitar a mudança. sentir falta. tirar a roupa. desaparecer. seguir estudando. desejar a escuta, a prática da escuta. honrar o testemunho. brindar o agora. tentar o imaginar o mundo sortido e impermanente. amar o mundo. gostar de fazer junto. ouvir o gesto. abrir mão. redigir esquisito. furar a bolha. contaminar a língua. usar outras lentes. não gostar mas amar o incômodo. esquecer o próprio nome. intuir na fila. esperar um pouco. considerar o depois e o durante, saborear o processo. tentar traduzir. correr riscos, fugir dos sulcos. repetir a letra com outra caligrafia. experimentar outra fonte. anotar à mão. estranhar o texto. desencantar os hinos. desconhecer. desiludir. desalinhar. não saber. falhar, ter dificuldade de aproximar. pedir licença. ir junto e ver o que acontece (ou não) nessa situação. chorar. não conseguir dormir, não conseguir falar. sacar o perigo. jogar com o mistério. sonhar dormindo. recusar. esconder. criar frestas de segredo. ficar perto. achar extraordinário. vibrar com o espaço. indeterminar.

 outra tentativa

a articulação dessa colaboração com o horizonte da cena – embora tenha se iniciado antes – começou em 2019, quando retornei de são paulo para belo horizonte, como um acolhimento, da parte do grupo, e uma busca, de minha parte, no sentido de tentar formalizar uma prática contínua – e de algum modo, dispersa ou diversificada no âmbito da prática artística.

essa experiência de testemunhar manifestações artísticas constituiu uma das primeiras ações sensíveis de que me lembro permitir realizar, no contexto repressor patriarcal-religioso em que cresci, no âmbito familiar – e a dimensão de êxtase e transformação-experimentação durante a fruição me moveram da leitura, da pesquisa e do jornalismo (sem, no entanto abandoná-las como práticas diárias) para a produção (gestão) cultural e, posteriormente, para a produção artística.

os trabalhos de criação são atravessados pela textura da palavra, no campo de arte da performance, de diferentes modos – como títulos e sinopses, dramaturgias, palestras-performances, registros e críticas, além do exercício literário mais amplo, poético[13].

a crítica vem desse desejo de continuar escrevendo a partir de experiências (e) (de) encontros em torno de expressões sensíveis, processos de criação, conversas, debates. a prática crítica ora assume um formato de convites específicos, ora busca dialogar com trabalhos também como desdobramentos do testemunho de seus percursos de produção.

como demais e inúmeras e diversas práticas artísticas, a crítica está diante de um desafio de linguagem – e viabilidade – muito profundo. comentar, repercutir, reverberar, relacionar características, condições, situações e procedimentos de apresentação/realização de trabalhos culturais torna-se um procedimento de pesquisa e articulação do pensamento artístico em suas múltiplas possibilidades de elaboração sensorial, histórica, emocional, semiótica e política. criticar – pensar e sentir junto – pode ser um passo interessante de invenção de um espaço de conversa, que dá sequência ao sentido de partilha do sensível. mover o sentido, o sensível, em várias direções, observá-lo do avesso, pode ser uma iniciativa interessante de dar continuidade ao jogo aberto, elástico da linguagem e do simbólico que a arte – ou a poesia – propõem.

como as demais práticas artísticas, curatoriais investigativas e filosóficas, a crítica se deslocou de um tipo de espaço específico, migrando para outras artículações. o exercício do retorno inicial a partir da audiência ou assistência de um filme, de uma obra audiovisual, ou a partir da leitura de um livro, tornou-se um tipo de conteúdo relativamente comum encontrado na internet hoje, por exemplo. não sei se todas as possibilidades desse formato de análise ou apreciação consideram-se como críticas. inclusive, há duas palavras diferentes nesse âmbito que são “react” e “spoiler” – ou a presença de informações cruciais para a compreensão do roteiro ou dos recursos de finalização narrativa da obra – que às vezes pode funcionar como uma etiqueta para a decisão da audiência de ter “acesso” ou contato com dados específicos da obra que podem – ou não – influenciar no ritmo de descoberta ou fruição mais “direta” do material artístico.

de tantas formas diferentes, “fala-se” muito de uma prática de fruição, geralmente, individual, tantas vezes, não presencial, não situacional, e também, resumidamente, avaliativa, no sentido da “indicação”: “vale a pena ver esse filme e por quê?”

para a prática crítica escrita, também presente na internet, através de sites como o horizonte da cena, podemos imaginar como o processo de elaboração funciona de forma mais cadenciada, em que a experiência de autoria e curadoria da fruição – e de sua tentativa de tradução – são compartilhadas de diferentes maneiras.

a partir desse processo conjunto, surgem múltiplas entradas, vozes e leituras, que podem remeter mais diretamente às obras artísticas com quem se abrem para dialogar, mas podem também tentar ampliá-las ou ressaltar suas frestas, criando fricções – por vezes, ficções – com ainda outras referências, experiências ou mesmo linguagens. a um tipo de pergunta – válida, diga-se de passagem – como “vale a pena ver esse filme ou essa peça de teatro?” – somam-se outras perguntas anteriores e posteriores (mesmo porque, fora da internet, muitas vezes, não é possível repetir a “temporada”). aqui o tempo é material de invenção, mas também rastro de experiência: “quão interessante pode ser a vivência de fruição de uma manifestação artística?” ou “o que está em jogo diante desse tipo de atenção ligada à fruição?” são espécies de dedicação, mobilização, comoção, implicação, presença e entrega, ligadas à fruição, que podem ter durações muito amplas e características diversas no curso de uma vida humana – mas também para além dela, atravessando gerações, espaços e eras.

esse processo de elaboração crítica pode ter relação também com um tipo de perda – e trabalho de luto – como continuidade ou desdobramento daquele encontro com a obra, especialmente no caso de obras artísticas coletivamente presenciais, mas não só do ponto de vista da característica da reprodutibilidade técnica, mas por uma dimensão sensível, fisiológica e social que é sempre circunstancial e um pouco específica, mesmo que na internet, a plataforma, geralmente, permite o “acesso” quantas vezes for solicitado.

esse processo de elaboração pode ser também um procedimento de germinação (se permitir a fecundação-criação[14]) a partir do contato com determinados materiais sensíveis que podem provocar um tipo de vibração – que pode se repetir, eventualmente, pode se acumular (e repercutir), mas que não deixa de abrir um traço de acontecimento singular – revelação ou descoberta autêntica – de sensação ou sentimento ou ideia ou aprendizagem ou experiência da diferença como possibilidade do corte da repetição. O procedimento da crítica, o exercício da fruição como trabalhos de criação e de curadoria, são sempre inaugurais. A curiosidade em torno desse tipo de encontro é ingrediente interessante nesse processo que é mais de sabor do que de saber.

profissionalmente, como praticante de crítica, o desejo que atravessa os procedimentos a que, até o momento, busco mobilizar, está relacionado com a tentativa singela de anotar alguns sinais do que é, objetivamente, indecifrável – como exercício do enigma que treme – porque também próximo do estado inconsciente no processo de transmutação com a expressão artística. e tentar imaginar o que esses sinais podem indicar ou costurar de outros materiais simbólicos e sociais, sempre como uma aposta delicada de articulação, sempre parcial, não definitiva e, se possível, historicamente informada. pensar junto, a partir e com a experiência antes, durante e depois do estado de fruição, ouvindo, tentando ouvir muitas possibilidades de leitura e/ou composição. mas, geralmente, também fazendo uma escolha – sempre difícil, desafiadora – de uma trajetória provisória para buscar se aproximar do trabalho, da obra, da proposta, da situação – e, às vezes, ao mesmo tempo, criando uma distância, como uma visão panorâmica, em que o micro e o macro, como uma dança, podem se confundir, se contaminar.

pode ser interessante analisar ou reparar as condições de produção, de fruição – para além das iniciativas em si de criação – o contexto em torno e por dentro da obra – os processos de realização, comunicação, compartilhamento – por si só hoje muito confusos na dimensão de uma sobreposição de texturas entre o que pode ser trabalho, divulgação, registro, atualização de perfil ou estado, obra, intervenção ou comércio. nada de novo no espectro de discussões no campo da história da arte e do mercado de arte[15], mas com uma ampliação de complexidade e variedade – e velocidade – consideráveis, inclusive no que diz respeito ao que poderíamos denominar como “fruição”. rolar a barra é fruição? talvez, talvez seja um tipo de televisão com centenas, milhares de programas televisivos, intercalados por propagandas, peças publicitárias, intervalos comerciais a cada três ou quatro “quadros”. a diferença entre interação ou engajamento e composição pode ser interessante de se pensar. e a escolha do que ver, a curadoria e a coragem de sentir podem ser férteis de imaginar.

são escolhas – mais uma vez, sempre difíceis, desafiadoras – e feitas geralmente em determinadas condições. a escolha filosófica de tentativa de contribuição para a (trans)formação de um segmento de conhecimento como o campo artístico ou poético – é uma possibilidade da crítica – e seus arquivos, como os livros, plataformas ou outros materiais de imantação – são registros abertos assim como as obras: seguem e voltam e avançam no tempo como no corpo e no desejo como convites, lembretes, chaves, charadas e apostas para quem percebe a vontade de seguir jogando no comum o enigma.

p.s:

como prática crítica, o processo de criação mergulha hoje como os efeitos da guerra híbrida e uma sensação de choque, medo e terror coincidentes com o capitalismo de desastre. continuar a pensar através de inúmeras experiências traumáticas – particulares e coletivas – constitui uma tarefa para além da linguagem.

é a experiência da vida mesmo – sempre incomensurável, sempre misteriosa – que é atingida, como público-alvo.

sentir a dor, a tristeza, o luto – o ataque às diversas articulações artísticas e culturais – o espanto diante do triunfo do delírio mais mortífero impele o desejo a imaginar – e valorizar – outras formas de alteração da consciência – como no signo poético – em que a dobra do sentido produz mais possibilidade e diferença do que fechamento, sufoco.é na expansão do espaço de pensamento e sentimento, com respeito pela vida, que pode se encontrar o ritual artístico. o gesto simples de estar junto para apreciar, para contemplar, para compor – e não para aniquilar – que pode acolher o coração, no momento, apertado entre a angústia e o desespero. o gesto simples que canta, que decanta, que (se) encanta, que mobiliza o corpo e lembra a alma outras frequências de vibração – e metamorfose – no tempo, no espaço, no laço e nas espécies.

p.s.2

“A análise dos caminhos e descaminhos do desejo na sociedade brasileira encontram na obra de Nelson Rodrigues um prato cheio. Ninguém melhor do que ele e com igual senso de humor apreendeu as nuanças da família de classe média dos anos 50, seu perfil e sua miséria – perfil e miséria que se mantém ainda hoje, apesar e através das intensas mudanças que marcam estas três décadas, o que confere à sua obra grande atualidade. Seu texto destila uma sensibilidade privilegiada para captar, no plano molar, a rigidez com que se conservam as formas sociais vigentes, mesmo quando totalmente desatualizadas; o plano molecular, o imperceptível movimento de partículas solapando tudo, diluindo todos os contornos; e entre os dois planos, a ausência total de trânsito, a tensão de uma polaridade, desembocando necessariamente numa destruição irreversível. As partículas, que o intenso movimento no plano molecular não pára de agitar, nunca chegam a se articular em novas formas sociais. Nunca se constituem novos territórios de desejo. A família implode. Mas um além da família é impensável. ‘Família ou morte!’ é o lema deste tipo de subjetividade que podemos extrair dos textos de Nelson Rodrigues.”

(Suely Rolnik em trecho de “Nelson Rodrigues ou a arte sutil de um esquizonalista”, também de 1982, assim como a citação que abre este texto, ambos registrados no livro “Micropolítica: cartografias do desejo”, edição de 2008).

 

[1]   https://anasantosnovo.com/.

[2]   https://www.youtube.com/watch?v=aHxekaG2Ua8.

[3]   https://letras.cidadescriativas.org.br/2021/06/26/vala-comum/.

[4]   https://prefeitura.pbh.gov.br/fundacao-municipal-de-cultura/escola-livre-de-artes.

[5]   https://www.academia.edu/39317368/Edgar_Cabanas_y_Eva_Illouz_Happycracia.

[6]   https://pt.scribd.com/book/544458138/A-sociedade-autofagica-capitalismo-desmesura-e-autodestruicao.

[7]   https://www.horizontedacena.com/pos-facil/.

[8]   https://umdepoisaindasemnome.blogspot.com/2020/02/uma-cronica-do-cuidado-ou-por-uma.html.

[9]   https://anasantosnovo.com/NUCLEO-DE-ESTUDOS-SOBRE-O-CANSACO-E-OUTRAS-HERESIAS-AFETIVAS.

[10] https://www.youtube.com/watch?v=vyJuYHSsK9g.

[11] https://drive.google.com/drive/folders/1XQhamjF5LVMSv5VB-_6zuTOIuSF-kWsR.

[12] https://www.dicio.com.br/decantar/.

[13] https://anasantosnovo.com/TEXTOS-DA-ARTISTA.

[14] https://www.pucsp.br/nucleodesubjetividade/Textos/SUELY/estadodearte.pdf.

[15] https://edisciplinas.usp.br/pluginfile.php/4113494/mod_resource/content/0/A_estetizacao_do_mundo_-_Lipovetsky_Gilles.pdf

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09/02/2022 TAGS: , , , , BY: Clóvis Domingos
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Minha crítica não quer…

Minha crítica não quer…
  • por Diogo Horta –

Quando entrei para o Horizonte da Cena, há alguns anos atrás, estava interessado em refletir sobre as produções de teatro para crianças já que os espetáculos voltados para esse público tinham pouca adesão do coletivo de crítica até então. Diante disso, minha perspectiva sempre foi pensar como os pais e responsáveis poderiam ler as críticas para refletir, a partir delas, sobre os espetáculos que iriam assistir ou que já tinham assistido. Para isso, tentei sempre me pautar por uma linguagem cujo acesso pudesse ser mais amplo, evitando conceitos complexos (até porque não domino grande parte deles) e tentando traduzir determinadas análises e apontamentos para que ficassem de fácil compreensão para todos os leitores.

Hoje, quando penso em um projeto de crítica, não penso mais especificamente no teatro para crianças, embora continue me esforçando para refletir sobre ele. Penso, sobretudo, nessa questão do acesso e em como tornar a crítica mais frequente na vida do leitor, especificamente em meios digitais. Em 2020 e 2021 lançamos uma temporada de podcasts com esse intuito de trazer o debate sobre as artes cênicas para conversas entre críticos que possibilitassem uma outra aproximação e possibilidade de acesso a crítica para além do texto escrito.

Conversando com uma amiga, começamos a divagar sobre as aproximações da crítica com as redes sociais para além de um repositório de divulgação dos textos, como a própria plataforma de difusão de críticas. Cabendo, no entanto, adaptações em termos de formato, tamanho, entre outros.

Diante disso, surgiram algumas perguntas: a crítica cabe em outros formatos mesmo? Ficaria superficial? Aumentaria o acesso? Facilitaria o diálogo com aqueles que não são estão habituados às artes cênicas ou à própria crítica? Se a crítica virar conteúdo, ela deixa de ser crítica? Se o nosso perfil nas redes sociais trouxer textos curtos nos captions com breves reflexões a partir dos principais movimentos que estão acontecendo no país e no mundo, ganharíamos mais seguidores e mais interação? E se minha crítica se resumir ao post, esquecer o site e focar no engajamento? Correria o risco de se vender às redes sociais? Mais perguntas que respostas, mas é algo que eu gostaria de tentar.

Ainda nessa conversa, me veio uma canção da Adriana Calcanhoto do álbum “A fábrica do poema” que se chama “Minha música”. Fiquei brincando de substituir a palavra música e depois esbocei algumas frases do que a minha crítica quer e não quer. Achei que poderia compor esse texto do projeto de crítica. Ficou assim:

Minha crítica não quer ser útil

Não quer ser morta

Não quer ofender

Minha crítica não quer tecer verdade

Não quer ser conceitual

Não quer deter conhecimentos

Não quer se fechar

Minha crítica quer se abrir para todos

Minha crítica quer ver o mundo por trás da cena

Minha crítica não quer analisar

Não quer sufocar

Não quer driblar

Minha crítica só quer se conectar

Conexão. Essa seria a palavra-chave do meu projeto. Cabe, no entanto, entender quais estratégias realmente poderíamos lançar mão para conectar com o público e trazer uma dinâmica para a crítica nas redes sociais. Os perfis do @poenaroda, @midianinja e @brains9 no Instagram me parecem se conectar com a público justamente por fazerem com que o conteúdo possa ser acessado diretamente na rede social. Seria um caminho a considerar para o Horizonte da Cena?

 

 

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02/02/2022 TAGS: , , BY: Clóvis Domingos
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Para além da crítica: minha escrita como ato de movência

Para além da crítica: minha escrita como ato de movência

–  por Marcos Antônio Alexandre (FALE-UFMG/CNPq) –

O universo da crítica foi se tornando cada vez mais presente em meus estudos, tomando proporções dinâmicas e múltiplas em minha formação intelectual como sujeito, estudante, docente, professor-pesquisador e atuante – ator-espectador/ expect-ator/ leitor / consumidor de arte. O exercício da linguagem crítica tem assumido vertentes distintas em minha trajetória profissional. O ato da escrita crítica e o exercício de análise de cunho intuitivo, comparativo e teórico se encontram em mim e em mim se perdem e se reencontram nas reminiscências de minhas memórias fugazes. Por isso, o termo movência tem se transformado em um mote contínuo que vem alavancando meus escritos e conduzindo meus interesses pessoais e profissionais em relação aos estudos da crítica teatral.

Direcionar o olhar sobre um trabalho artístico é sempre algo desafiador. Se nas obras de artes, num quadro ou numa foto, há um punctum (Barthes, em seu icônico A câmara clara) que nos atravessa e que, por sua vez, move as nossas subjetividades como leitores do mundo, no teatro, na dança, na performance, não deixa de ser diferente. Somos impactados por imagens que nos aproximam e nos distanciam, nos trazem sentimentos múltiplos – muitas vezes contraditórios, dicotômicos e, até, desconexos –, alegria, tristeza, euforia, medo, desejo, repulsa, regozijo, melancolia, paixão, horror, piedade e gozo, como já nos ensinaram os poetas a partir de suas tragédias clássicas. Quanto mais uma obra me atravessa, mais eu me vejo focado, interessado e provocado a responder, de formas distintas, estendendo o meu tempo de fruição com o trabalho confrontado[1], conversando com amigos ao sair dos espaços de apresentação, levando as reverberações que as propostas artísticas me causam para outros espaços – salas de aula, meus textos reflexivos em forma de artigos e ensaios críticos, lives, podcasts; o “contemporâneo” desse “hoje”, momento em que nossa vida continua sendo atravessada, influenciada e mediada pelos dispositivos digitais. Enfim, busco alguma forma de me manter desafiado, de fazer com que os trabalhos continuem vivos em meu tempo de presença.

O teatro, assim como a literatura, está em mim. As tessituras e poéticas literárias, nos últimos anos, as poéticas pretas como eu tenho preferido nomear e que têm me movido intelectualmente. Ver – ler para além dos olhos, sentir, vivenciar – o teatro faz parte de minha corporeidade e gosto muito mais quando aciona o meu corpo preto. Tenho ciência da presença das artes cênicas na minha vida. É neste espaço em que eu me sinto confrontado comigo e com o Outro, com formas alternas de confrontar lugares onde o meu corpo, minhas fabulações, muitas vezes, não conseguem habitar – visto que não tenho mais estado em cena como ator –, mas as personagens me permitem seguir em estado de movência e reflexão; e a crítica, por sua vez, é o lugar de abrir as arestas, de fomentar os conflitos, de catucar as feridas. Interessa-me refletir sobre o teatro contemporâneo e suas vertentes em que o político é dinamitado em múltiplas linguagens. A crítica teatral nem sempre dá conta de acompanhar todas as nuanças dos textos espetaculares que têm sido produzidos na nossa contemporaneidade. O Horizonte da Cena tenta estar atento para, a partir dos olhares divergentes de seus críticos, documentar as singularidades da cena contemporânea.

Toda essa digressão para me referir à minha chegada ao Horizonte, que se deu a partir de um convite de uma de suas idealizadoras, Luciana Romagnolli, em 2015. Naquele instante, a convocação me alegrou muito. Lembro-me, como se fosse hoje, que, além de agradecer pela oportunidade, eu lhe disse que não sabia se poderia me comprometer com uma participação efetiva por causa de falta de tempo e da disciplina que o exercício da crítica nos exige: ainda que a crítica teatral já estivesse integrada ao meu perfil de pesquisador desde meus trabalhos de mestrado (1998) e doutorado (2004). Durante o período de escrita de minha dissertação, intitulada A diferença entre o texto dramático e o texto espetacular em seis obras apresentadas em Belo Horizonte entre os anos de 1994 e 1998[2], li centenas de dramaturgias, assisti a mais de cem espetáculos realizados em palco, rua e espaços alternativos e, ao final, como resultado apresentado na dissertação, realizei uma leitura analítica específica das peças A Serpente, O Beijo no Asfalto, O Casamento (de Nelson Rodrigues), El Coronel no tiene quien le escriba (de Gabriel Garcia Márquez), Rua da Amargura (do Grupo Galpão) e El Continente Negro (de Marco Antonio de la Parra), trabalhos que naquele contexto me marcaram sobremaneira em lugares mnemônicos distintos.

Não obstante, em 2015, reitero que não me via circunscrito ao exercício cotidiano da crítica teatral. Portanto, naquele momento, comentei com a Lu que minha contribuição seria esporádica e que só escreveria sobre os trabalhos que eu gostasse e com os quais eu tivesse alguma afinidade ou identificação. Interessante perceber que ainda hoje essas são as características que têm suleado o meu olhar crítico, e com o tempo fui matizando a minha mirada analítica, pigmentando-a com mais melanina, escurecendo minha escrita para dar visibilização e amplificar os lugares de alcance das poéticas pretas; claro, sem deixar de dirigir meu olhar para outros trabalhos com os quais continuo me identificando.

São os sentimentos/noções epistemológicas de encruzilhada (falando com Leda Martins). escrevivência (em diálogo com Conceição Evaristo) e movência que me inquietam e levam a direcionamentos perscrutadores que convocam minhas afetividades, identidades e subjetividades para ler os corpos e corpas em performance na arte. Interessam-me os trabalhos em que, como espectador, me dou conta de que a plateia se sente afetada de alguma maneira, em que as pessoas se veem “representadas” ainda que em ações específicas. Os trabalhos contemporâneos que me interessam sem dúvida são aqueles cruzados esteticamente por uma miríade de pautas moventes, propostas espetaculares em que os coletivos e/ou atores e atrizes envolvidos se desafiam, têm seus corpos e corpas travestidos e atravessados pelas suas proposições; meu olhar pulsa quando meu corpo também pulsa com o que está sendo descortinado diante de meus olhos.

Como não poderia ser diferente, não consigo deixar de mencionar, hoje, neste momento de minha escrita, três experiências cênicas recentes que vivenciei intensamente, a saber:  Ficções sônicas 02, visto virtualmente pelo Canal do YouTube Brasil Cena Aberta; Exília, visto presencialmente no Galpão Cine Horto no dia 19 de novembro na mostra “Reencontro”, e Sapato Bicolor, revisto também no mesmo espaço, no dia 21. Três trabalhos que mexeram muito comigo, me descentraram e fizeram com que minhas movências fossem acionadas em lugares bem específicos.

É fato posto e mais que discutido que a pandemia nos distanciou das salas de teatro e com isso fomos lançados dentro do universo digital e tivemos que aprender a lidar com seus recursos e linguagens. Neste cenário, eu me vi imerso a novos espaços virtuais e a sala e outras dependências de minha casa se tornaram meus espaços de apresentação solitários. Quase dois anos assistindo a espetáculos de diversas ordens e temas. Alguns me moveram intensamente e outros nem tanto; alguns esteticamente maravilhosos, mas não me atraíram tanto; outros sem maiores comprometimentos com a questão estética, mas com uma textualidade incrível. Hoje, de certa forma, já estamos saturados do universo virtual. No entanto, considero-me uma pessoa resiliente e sigo fazendo – ou o tentando – da tela o meu/nosso espaço de presença: esse tem sido meu exercício e proposições constantes ao assistir a cada novo ou velho e repetido trabalho.

A peça-experimento Ficções sônicas 02 é desdobramento de um projeto que Grace Passô tem desenvolvido desde o ano passado e que gerou como proposições performativas dois trabalhos extremamente potentes: Ficção sônica 0, uma peça radiofônica criada a convite do Festival de Arte Sonora Novas Frequências, e Para acabar com Juízo de Deus, uma instalação sonora, produzida especialmente para a 34ª Bienal de São Paulo e inspirada num programa radiofônico homônimo realizado por Antonin Artaud (1896-1948), em 1947.

Ficções Sônicas 02 foi filmada no Theatro Municipal de SP e reuniu artistas que atuam em linguagens artísticas diversificadas: o músico Barulhista, o soprano Marly Montoni, a bailarina de danças urbanas Silvia Kamyla, o ator e artista multimídia Lucas Andrade e o músico, performer Novíssimo Edgar, completando o time com a participação do percussionista Mauricio Badé e do Coral Paulistano, sob a regência de Maíra Ferreira. Um encontro de vozes múltiplas regido pela concepção dramatúrgica, performativa e espetacular de Grace Passô. O trabalho me move em – e me leva para – muitos lugares, me descentraliza, fazendo-me recuperar vestígios de memórias de Por Elise, espetáculo a partir do qual discursos do cachorro continuam pulsando em mim – “Cuidado com o que você planta no mundo!” –, presentificado na imagem da cadela Amélia adentrando o espaço do Theatro Municipal e subindo ao palco – “falando e movendo aqui pra quem? Igual seus latidos, mas pra quem você late cão? Pra ninguém… e pra quem eu falo cão? Eu também não sei…” –; de Amores Surdos, com o seu hipopótamo que fantasmagoricamente ressurge ocupando todo o espaço de minha casa-tela, “Têm coisas que foram feitas para se viver com ela” – será?; de Vaga Carne, com seus brados de vozes polifônicas da mulher preta que, por sua vez, me fazem acessar minha corporeidade preta. Acionam meus encontros e incursões nas oralituras de Leda Martins e nas escrevivências de Conceição Evaristo, me levando mais uma vez a pulsar com suas “Vozes Mulheres”[3]: como fazer renascer em nós aqueles e aquelas que nos antecederam, como manter os nossos mais velhos e suas vozes ecoando em nossos corpos e corpas pretes. Onde as sonoridades da Ficções se encontram com as sonoridades que nos constituem como sujeitos e sujeitas: “Representatividade saindo por 4542 francos… o patrão ligou louco”; “feminismo universal por apenas 23 euros, é pegar ou largar”; “periferia colorida por 1500 kilos…”; “entre mim e você existe um abismo, mas entre os humanos também… me chamam preto e acham que já sabem quem eu sou um abismo…”; “não sabem que se eu pixelar o preto que eu sou eu inauguro novas formas no mundo, outras, outros olhares…”; “meu preto não quer nome para o meu preto som, ninguém me decifra… esse é o nosso feitiço…”

Imagens telúricas, imagens que me descentram, corpo pulsante em movimento, exúnico, corpo-griot que movimenta em prol de inaugurar outras histórias, ocupar outros espaços, sim, meu corpo e outras corpas podem ocupar o palco do Theatro Municipal; meu corpo e outras corpas ocupam os espaços externos do Theatro Municipal… quem está dentro e quem está fora…  Ficções cênicas 02 me (nos) causa vertigens, é fragmentação, é experimentação e linguagem que buscam conversar para além da tela… o ser crítico que existe em mim não consegue se eximir de ser afetado.

Com Exília, de Juliana Pautilla, eu volto ao tempo da presença. Retorno ao Galpão Cine Horto em sua mostra “Reencontro” para ver a potencialidade de uma mulher-personagem-atriz-persona com seu novo trabalho. Uma entrega pessoal e sensorial ao mundo feminino, feminista, desvestido de purismos, um texto autoral forte, que nos prende desde o início:

Estou feliz que estejamos aqui. Exília é um trabalho processual que venho realizando em pedaços, através de encontros comigo mesma, encarando minha subjetividades. Esse texto que estou lendo agora muda a cada apresentação. Às vezes acho que falo algo novo. Mas percebo que não é novo. É apenas um sentido entrecruzado de tempo, que me faz retornar ao início, onde tudp1o começou. Por qual ponto começar a falar da repetição? Como foi para um ser nomeado mulher ir ao confessionário no século XVI e se tornar a bruxa assassinada na fogueira? Como foi para uma indígena ter sua nudez nomeada de vergonha? Como foi o momento em que Marielle entendeu a emboscada e percebeu que ia ser silenciada? Nada disso podemos dizer que foi. Isso tudo ainda é. Por isso tento relembrar violências e aí talvez eu possa entender o que é ser filha de uma nação de estupradas. (PAUTILLA, 2021)

A experiência ao assistir a Exília e minha imersão no trabalho me leva a uma reflexão pessoal sobre as masculinidades tóxicas que nos constituem com sujeitos cisgêneros. A personagem-persona-atriz me obriga a exercitar a escuta, palavra tão utilizada e tão pouco praticada. Na proposição dramatúrgica, Juliana divide sua poética textual em “Imaginação”, cenas propositivas que nos movem para além do campo do onírico, do dispositivo do vídeo à sua integração à cena e à dinamicidade da atriz no palco em tempo de presença, e sua entrega com ela e para o público. Exília também é uma proposta cênica que explora o sensorial, que busca a cumplicidade com a plateia, principalmente com o público feminino que se faz presente com ela. O meu exercício de criticidade é de aguçar a minha escuta, de tentar identificar os discursos polifônicos que a “mulher autofalante” utiliza para implodir o espaço e as nossas sensações:

Não sou mais uma ilha… estamos cercadas. É sobreviver. É sobre viver. É sobre mim, sobre você. É sobre ela, sobre elas. É sobre bruxa, sobre coxa, sobre salto. É sobre exposição. Sobre sair, sobre ir. […] É sobre estimar. É sobre a mesa, é sobremesa, sobrenome, sobrepeso, sobre porto, sobrenatural. É sobretudo.

É sobra. É silêncio. É sussurro.

Pautilla conclama a textualidade de Ana Luísa Campos para falar consigo e com elas eu sinto que não é só para mim, mas não deixa de ser para e sobre mim, é sobre nós. O ato crítico que não deixa de pulsar é o da ESCUTA. E como uma confraria de vozes mulheres, eu recupero a poética também implosiva de Nívea Sabino: “ Ei, macho alfa!/ – sofre não! Sofre não…!// Nenhuma mulher mais/ independentemente da cor/ ficará calada/ enquanto houver outras violentadas/ Violeta é a cor/ que marca a luta/ de resistência ao roxo/ que ocê deixou”. (SABINO, 2016)

Sapato Bicolor, de Fabiano Persi, é o outro espetáculo visto na mostra “Reencontro” que me fez (faz) pulsar em vários lugares. O trabalho já foi objeto de meu olhar analítico em outro texto para o Horizonte, mas revê-lo, agora, quando volto a estar em meio ao público em um teatro que alimenta as minhas memórias afetivas como o Galpão Cine Horto e sentindo minhas energias sendo trocadas com a plateia (não consigo dispensar a frase clichê), não tem preço. Não me interessa aqui revisitar o que já escrevi, mas sim experimentar em palavras o que voltei a sentir.

É muito impactante ver a performance de Fabiano Persi, que nos contagia desde a fila que se forma antes de adentrar o espaço. Como não se identificar com o jogo de palavras lançadas ao vento – até que ponto são de fato “lançadas” ao vento – pela personagem do engraxate? Em princípio, seria mais uma “representação” de uma personagem que atravessa as nossas subjetividades, rompendo com a transitoriedade da via urbes. Logo, nos damos conta de que suas palavras vão muito além do “Vai um graxa aí dotô!” Sapato bicolor é o “pisante” que brilha, mas, acima de tudo, é a movência que está por detrás do objeto de desejo do dançarino negro que o ostenta nos bailes soul. O calçado é expressão de uma tradição cultural das comunidades pretas periféricas. Minha corporeidade preta viaja no tempo e com a personagem rememora os passinhos sendo conduzido para o universo musical de Michael Jackson, MC Hammer, James Brown, Tony Tornado, Donna Summer, entre tantos outros nomes que fizeram do rock, blues, soul, reggae, samba-reggae ao break dance, funk melody, rap, os “bailes de favelas” e tantos outros movimentos em que os corpos e corpas pretos e pretas pulsam em comunidades contemporâneas, bailes em espaços periféricos que deixaram os morros e são acessados e consumidos avidamente em todos espaços urbanos. Com Fabiano Persi, somos levados a refletir para além dos bailes, para as formas com as quais os corpos pretos são visibilizados ou não nas cidades, somos convidados a vislumbrar o cabelo black como signo cultural dos povos pretos, a valorização do crespo também como símbolo de resistência. Com a voz e a movência corpórea da personagem, Persi com humor e leveza incute no espectador, pelo menos, uma motivação para se posicionar sobre as técnicas utilizadas pelo racismo estrutural que fomentam tanta indizibilidade e invisibilidade entre os corpos e as corpas pretas e suas poéticas.

Como sempre, deixei-me levar por minhas digressões e observo que, mais uma vez, falei para além de meu corpo-memória. Ao iniciar este texto, eu tinha como meta ser o mais sucinto possível, mas o exercício da crítica em mim só se estabelece quando sou provocado a me colocar em estado de movência, quando vejo minhas identidades e subjetividades sendo acionadas, quando me dou conta de que minhas vivências – e as dos meus – são pautadas e referenciadas, como corpos pretos diversos que somos, construindo espaços nossos e espaços outros, com nossas presenças e afetividades. A provocação para a escrita deste texto foi que cada integrante do Corpo de Crítica do Horizonte discorresse sobre qual seria o seu projeto de crítica. A resposta é muito mais complexa do que estas linhas e a tela do computador alcançam. Não obstante, hoje, me interessa a crítica que exija que eu me movimente para além do ato da crítica, que eu mantenha em mim como sujeito pensante o frescor da busca de uma conversa dialética com o meu tempo, sem necessidade de pontos finais…

 

[1] Sim, confrontado, pois o contato e aproximação nem sempre é pacífico, muitas vezes acionam sensações e sentimentos dissonantes, que nos movimentam para além da obra.

[2] Disponível em: https://repositorio.ufmg.br/handle/1843/BUBD-9DMHF2?locale=en.

[3] Acione http://www.letras.ufmg.br/literafro/autoras/24-textos-das-autoras/923-conceicao-evaristo-vozes-mulheres.

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02/12/2021 TAGS: , , , BY: Clóvis Domingos
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ensaios

Soltar o olhar, soltar a mão

Soltar o olhar, soltar a mão

– Por Victor Guimarães –

[Imagem de capa: Georges Seurat, “Femme lisant”, circa 1883]. 

Na tentativa de imaginar qual seria o meu projeto de crítica, ao invés de pensar no futuro, o que fiz foi um exercício retrospectivo a partir da memória dos textos que publiquei aqui no Horizonte da Cena e dos impulsos que os motivaram. Dois traços me saltaram aos olhos nessa rememoração: minha posição estrangeira em relação ao meio teatral e minha insistência em escrever sempre a partir de uma experiência transformadora – o que não significa necessariamente escrever motivado pelo que me arrebatou, mas começar do que me instalou num estado de inquietude e incerteza.

Diferente da maioria das colegas daqui, nunca fui “do teatro”. Não tenho formação acadêmica em artes cênicas, nunca as pratiquei, não acompanho o circuito regularmente, não conheço a maioria das pessoas do meio. Há muitos contras nessa condição: a falta de repertório, o receio frequente de falar do que não sei, a sensação constante de estar dando palpite onde não fui chamado. Mas há também vantagens neste ponto de desvantagem: não pertencer é também não ser excessivamente vigiado. A liberdade de movimento propiciada por uma posição “de fora” pode ser preciosa. Além disso, escrever sobre o que não se sabe e meter o bedelho onde não se é chamado não é o motor de toda crítica que preste?

A crítica é sempre intrusa. Chega ali onde não é chamada. Ninguém a solicita, ninguém está muito confortável em sua presença – a menos que ela se confunda com a publicidade ou a assessoria de imprensa (que é a regra). E, no entanto, nenhuma arte sobrevive sem ela, e não há melhor indício da vitalidade de uma arte do que o estado de sua crítica (e não falo aqui de veículos ou de instituições, mas da intensidade de uma conversa pública livre, franca e aberta).

Quanto ao olhar estrangeiro, poucos textos são tão importantes na minha formação como crítico de cinema como os ensaios que Susan Sontag e Gilda de Mello e Souza dedicaram aos filmes. A rigor, elas também não eram “do cinema”. Ensaístas de interesse amplo e vário, seu encontro com as obras cinematográficas é sempre surpreendente e estimulante, pois nunca há a sensação de ler alguém que arromba portas abertas (impressão tão comum quando leio crítica especializada hoje, no cinema ou no teatro). Ao contrário: elas entram sempre pela janela dos filmes. Quando Gilda compara os passos de dança de Fred Astaire ao traço de Seurat em seus desenhos, é justamente esse chegar de fora, essa não-especialização que fala alto e formula uma imagem inesperadamente precisa. Quando Sontag encontra a bactéria fascista não apenas nos filmes hitleristas, mas nas fotografias africanas de Leni Riefenstahl, é também o olhar estrangeiro que opera. É como Nuno Ramos escrevendo sobre futebol: nenhum comentarista de bola foi capaz de encontrar o germe do sete a um naquele quatro a zero do Barcelona sobre o Santos. Foi preciso um artista para ratificar o que hoje parece óbvio, mas que à época ninguém queria enxergar: “É preciso situar este jogo como um trauma, um antes e um depois, um sinal de que alguma coisa estranha está acontecendo com o futebol brasileiro”.

Sobre escrever a partir do que não se sabe: quando leio um texto crítico, nada me é mais tedioso do que perceber, logo nas primeiras linhas, que quem escreve já tem a oficina toda montada para lidar com aquele acontecimento ou aquela obra. Quando escrevo, nada me é mais desestimulante do que ter o texto inteiro na cabeça antes de sentar para escrever. Crítica é movimento, é deslocamento, é partilha de uma energia inquieta. Nada mais fácil do que perceber quando, num texto, há encontro real entre quem escreve e a experiência a partir da qual se escreve. Há escritas onde há desafio, deslocamento mútuo, fricção. E há aquelas em que há uma continuidade total entre obra e gesto crítico, um casamento tão perfeito entre uma coisa e outra que não sobra espaço algum para a descoberta, o passo para fora do que já se sabe, a respiração do leitor ou da leitora. Recupero aqui algo que escrevi a partir do Macunaíma de Bia Lessa: também na crítica é preciso oxigênio para a combustão.

Não pertencer ao meio do teatro é também não ter uma agenda pré-formatada. Assim, cada texto meu aqui no Horizonte partiu, muito simplesmente, de uma espécie de comichão ao me deparar com uma experiência cênica (e elas foram variadas: peças, performances, um show de rock, um acontecimento na rua que ainda não sei como definir…). Diante da inquietude física, emocional e intelectual provocada por aquele encontro, era preciso deixar que aquela experiência não se esvaísse no cotidiano, que ela encontrasse uma maneira de continuar, transmutada, noutro lugar e noutra forma – a da escrita. É bem possível que essa seja uma posição conservadora hoje, um tanto datada, mas ainda acredito na crítica como um encontro fecundo entre um espectador e uma obra. No caso do teatro, então, essa arte irreprodutível por excelência, não há melhor forma de engarrafar experiências e destiná-las ao futuro do que dar forma a esse encontro entre uma subjetividade e um acontecimento. O sedimento final desse processo é sempre uma nova experiência, dessa vez de escrita, mas acredito que há algo valioso nessa fricção entre algo que está no mundo – e que, portanto, não sou eu – e meu próprio corpo.

Por um lado, não consigo aderir à tendência contemporânea da crítica como criação, porque ainda acredito na fecundidade desse jogo com o fora. Ainda acredito na velha posição adorniana sobre o ensaio, esse texto que “espelha a disponibilidade de quem, como uma criança, não tem vergonha de se entusiasmar com o que os outros já fizeram”. Por outro lado, não subscrevo à posição de quem enxerga a crítica como juízo desimplicado, como crivo excessivamente apegado à racionalidade. Por isso, há algum tempo, tenho trabalhado com uma ideia da socióloga da imagem boliviana Silvia Rivera Cusicanqui, que chegou até mim durante um laboratório de crítica de cinema do qual participei. Em sua reflexão junto às mulheres tecelãs andinas e em diálogo com padrões visuais de suas obras, ela encontrou uma fórmula teórica que tem me intrigado: “a mão sabe”. Na contramão do oculocentrismo ocidental, é uma tentativa de reintegrar o olhar ao corpo, de imaginar um conhecimento que não se desvincule de uma experiência corpórea.

Na escrita crítica, imagino que esse saber das mãos tem a ver com um trabalho que não se confunde com a transmissão de um saber pré-fabricado, mas que descobre, no próprio ato da escrita, uma maneira inesperada de dar forma ao encontro e ir em direção ao que não se sabe. Um texto crítico não é o resultado de uma transmissão entre a cabeça e o algoritmo, mas algo que acontece no corpo inteiro, num jogo intenso entre a memória e a invenção, entre o olhar e as mãos, entre o que se move e o que se sedimenta. Uma centelha surge na experiência, encontra combustível no ato da escrita e se incendeia no encontro com a leitura.

A tarefa primeira é a de alimentar esse fogo. Partir sempre do espanto. Só começar um texto quando não se sabe como ele vai terminar. Escrever exclusivamente sobre o que não se tem certeza. Soltar o olhar, soltar o corpo, soltar a mão.

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25/11/2021 TAGS: , , , , BY: Clóvis Domingos
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ensaios

Uma crítica coletivizada

Uma crítica coletivizada

– Por Clóvis Domingos –

[Imagem de capa: participação na ação Terreiro, parte da programação do Seminário Internacional de Mediação Cultural do FIAC- BAHIA]

Nos últimos anos a crítica teatral vem sendo para mim uma prática e uma pesquisa acadêmica. Desde 2016 quando ingressei no Horizonte da Cena venho escrevendo e publicando inúmeros textos a partir de diferentes trabalhos e, em 2018, comecei uma pesquisa de Pós-Doutoramento no PPGAC-UFOP para me debruçar sobre as questões e desafios da crítica contemporânea. Interessa-me a crítica como uma prática que não somente conversa com as obras, mas também com as questões do mundo. Crítica como codiscurso no campo das artes, entendendo que também outras dicções circulam e têm seu lugar numa imensa rede discursiva. Penso nos artistas, nos espectadores, nas instituições, nos cadernos jornalísticos culturais, na universidade etc.

Acho que comecei a escrever crítica quando participei do Agrupamento Obscena (um coletivo de pesquisa cênica de Belo Horizonte) e acompanhava inúmeros processos de experimentação e criação de artistas e, depois de muitas trocas e debates, eu compartilhava ideias e impressões na escrita de textos publicados num blog. Essa coletivização nas artes cênicas, como modo de colaboração e possibilidade de contaminação criativa, de alguma forma está presente na pluralidade de coletivos de críticos atualmente. De norte a sul do país é possível ver a emergência de plataformas críticas cobrindo diferentes cenas, comprometidas em dialogar com o que acontece na vida teatral, divulgando artistas e grupos, discutindo estéticas e políticas culturais.

Para mim a vitalidade da prática de crítica está em sua força de performar debates, mais do que emitir verdades sobre as obras artísticas. A crítica escreve, a seu modo, parte da história pública do teatro. Seu compromisso é amplo e também social, e, a meu ver, não é apenas o de julgar e avaliar esteticamente os espetáculos, mas participar da ampla discussão sobre os rumos e percalços do fazer teatral, tentando conciliar as dimensões semiológicas e sociológicas. Como arte e vida social se encontram, se afetam, se estranham? O pesquisador argentino Jorge Dubatti defende a ideia de uma “crítica local”, isto é, a importância do crítico falar daquilo que vê e acompanha em seu território específico. Essa geopolítica crítica seria fundamental para que outras narrativas sobre o teatro possam surgir. Como exercício de reflexão, o crítico local faria uma interlocução com a cena que está ali perto dele, participaria da construção e ampliação de sentidos.

Também penso crítica como invenção e criação. Ela pode subverter e propor diferentes modos de produção e difusão de seus fazeres, não se limitando apenas à análise, mas efetuando operações críticas a partir de diferentes dispositivos. A crítica hoje pode existir através de inúmeras modalidades: em forma de áudio, carta, diário, coleção de notas, poesia, vídeos, imagens, literatura de ficção. Aqui lembro de Bordieu que afirma que “o discurso sobre a obra não é um simples acessório, destinado a favorecer sua apreensão e sua apreciação, mas um momento da produção da obra, de seu sentido e de seu valor”.

A crítica desdobra a obra. Não fala sobre ela, mas a partir dela, com ela, através dela. Para mim a crítica é uma aprendizagem, daí meu projeto de crítica ser sempre algo inacabado, nunca se completa. Aprendo fazendo, buscando, experimentando. Aprendo lendo as críticas de outros, outras e outres. Não estou nunca pronto. Gosto de conversar sobre a prática da crítica para descobrir outros pontos de vista. Para mim o ofício do crítico é repleto de contradições e paradoxos. Gosto de quando a pesquisadora Josette Féral afirma que na crítica coexistem duas dimensões: “arte da solidariedade” e “arte do combate”. Ela é necessária para o teatro e sensível às dificuldades de sua produção no mundo atual (inclusive afirmando sua relevância), ao mesmo tempo que aponta caminhos, questiona opções estéticas e combate certos discursos presentes nas obras. O desafio de praticar a crítica teatral está nesse paradoxo: ela se opõe a qualquer tipo de censura e silenciamento, e, ao mesmo tempo, corre o risco de se tornar corretiva e conservadora. Então fazer crítica é estar o tempo todo em estado de crise, de pergunta, de revisão de seu gesto. Se a crítica se coloca em questão, expõe seus limites e possibilidades, assume erros e acertos, não abre mão de sua pulsão investigadora, se assume errante e incompleta, se reavalia, se posiciona, se transmuda, acho que dessa forma consegue expandir sua função social.

Percebo que gosto mais do ato da escrita do que necessariamente da crítica. Sinto necessidade e prazer em escrever sobre alguns trabalhos, pensar a partir deles, abrir espaços de conversa, esticar suas durações para além do momento efêmero da apresentação. Há obras que mobilizam meu pensamento, criam desassossegos e cavam conversas. A crítica é uma vontade de fala (a partir do contato com uma obra), e também precisa ser vontade de escuta. Há uma tensão produtiva e colaborativa entre a cena e a crítica: a cada momento quem convida quem a se rever? Quem se adianta numa discussão temática ou numa proposição estética? Quem de algum jeito provoca, estimula, força o pensamento? Não se trata apenas de um jogo de poder, mas de uma possibilidade de se desenvolver, de aprender, de se perder lugares cômodos e fixos. Não abandonar a postura provocativa, mas se livrar do dogma e dos modelos pré-estabelecidos. Reconheço que muitas vezes me repito em minhas análises de trabalhos, permaneço no confortável, escrevo a partir do que gosto e conheço.

Como sustentar, na crítica, a dimensão desejante? Como arriscar a palavra? Como criar deslocamentos e outros modos de se pensar arte? Como não impor uma interpretação, mas propor uma inquietação, garantindo assim uma multiplicidade de perspectivas? Como produzir um texto que navegue por um rio de interrogações? A função da crítica seria a de iluminar os sentidos de uma obra ou de complexificar suas possibilidades de recepção? Penso a crítica como interlocução, porosidade, relação, encontro e desencontro, uma aprendizagem permanente.

Busco a crítica como mediação, pesquisa, voz e escrita coletiva no mundo. Corpo implicado através de leituras divergentes e apresentação de argumentos que não se excluem, mas somam, tudo isso é bom para nossa saúde cênica e cívica. O singular no plural. O que pode o dissenso hoje?

Diferente dos que anunciam a morte da crítica ou sua falência, penso mais em reinvenção e fabulação (como afirmam os artistas, curadores e críticos mineiros Soraya Martins e Anderson Feliciano), desvios permanentes, novos horizontes de atuação. O que pode ter desmoronado é um tipo de crítica autoritária, hierárquica, polemista e personalista. Como manter a autoridade e exercitar a alteridade? O que me interessa é a pluralidade de escritas e vozes. Assim, quanto mais críticos atuarem, mais leituras de cena surgirão e o debate estará sempre se fazendo, uma pergunta chamando outra e cena e crítica em estado de turbulência e  instabilidade.

O que me interessa é continuar aprendendo, persistindo, seguir movido e movente mesmo sem saber como fazer, recomeçar sempre…  Uma conversa infinita.

 

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05/11/2021 TAGS: , , , BY: Clóvis Domingos
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Propostas para persistir

Propostas para persistir

– por Luciana Romagnolli –

 

[Imagem de capa: intervenção de Luciana Romagnolli sobre obra de Muhammed Salah.]

Tenho me perguntado sobre como sustentar o gesto crítico neste momento, neste país, neste contexto. Já adianto aqui a resposta que tenho me dado: sustentando a pergunta.

Nesses quinze anos de atuação como crítica, o modo de conceber e praticar essa atividade transformou-se algumas vezes. Compreendo que precise ser assim: a crítica é um olhar – um corpo – que se lança ao mundo em movimento. Move-se o mundo, move-se a crítica.

Há uma coreopolítica para um corpo crítico que se implica na cena do teatro, na cena do mundo: projeta movimentos, adere a coletivos, singulariza-se, encontra outras perspectivas, retorna, persiste, indaga… ainda.

A crítica produz discurso sobre/ a partir de/ com a arte. As perguntas sobre a crítica carregam perguntas sobre a arte. Quais as funções da arte no nosso tempo? Como a arte pode sustentar-se como espaço de invenção de modos de continuarmos vivas que recusem a necropolítica, a precarização das relações de trabalho e de afeto, as abordagens do mundo como consumo e exploração, a propagação de normopatias, a estruturação racista e patriarcal da sociedade?

Um trajeto crítico é um percurso de reinscrições do corpo na linguagem. O fio que atravessa o tecido da costura abre furos, afasta-se, reaproxima-se, alinhava o imprevisto. Cada pergunta é uma abertura.

Das perguntas que me faço, então, retiro aqui algumas consequências que possam projetar propostas para persistir. Lanço-as um tanto desalinhavadas, contando que as costuras estão por ser feitas.

*

Na virada da década, cheguei de Curitiba a Belo Horizonte apostando no fazer crítico como um movimento de contato e ressonância com o fazer teatral. A proposição de “pôr em crise” uma obra ditava o caminhar, mesmo que eu experimentasse um não saber diante de cada novo acontecimento cênico, e fosse a mim mesma que colocasse em crise nessa relação: minha concepção de mundo, meu olhar, meu corpo, minha compreensão de arte e sociedade.

O que me movia – vejo agora – era uma atração irresistível por esse enigma da linguagem corporificada: como artistas modelam esteticamente (sensivelmente) o viver?

Uma pergunta sobre dramaturgia. Uma pergunta sobre a criação de mundos.

Da crítica, passei à curadoria, sempre ao passo do pensamento dramatúrgico, analítico, interessado nas composições e decomposições, nas tramas de sentido que tecem nossas realidades cotidianas e fabulares, e nos ecos fora do sentido que fazem vibrar os corpos.

A compreensão da estruturação racista, heteronormativa e misógina da sociedade não veio sem consequências. O insuportável, na melhor das hipóteses, nos lança à luta pela invenção de outros modos de vida, solo fértil para arte.

Hoje, o que sustenta esse campo, para mim, é o espanto diante da vida que a arte reinaugura a cada vez. O desejo de contato com aquilo que não se encaixa no capitalismo nem em uma visão utilitária e quantificável da vida, abrindo brechas para o que não cabe nas formalidades e identidades pré-fixadas nas relações sociais.

*

Nos últimos tempos, tenho estado atenta aos modos de circulação de informações e afetos nas redes sociais, que se oferecem como novos espaços de “convívio” para o debate público, como uma suposta praça pública, regida por algoritmos privados. Tento desprender-me da rede que captura nossa indignação como mais um produto capitalista no mercado de trocas emocionais e morais projetado por esses algoritmos, que convocam os usuários à reatividade, ao medo, ao ódio, ao isolamento. Quem nunca se exaltou que atire a primeira pedra. Tornamo-nos facilmente manipuláveis por meias manchetes e memes mal lidos. Qualquer palavra é pólvora.

Não se trata de menosprezar a revolta, mas questionar sua efetividade quando se torna produção em série na máquina capitalista de embrutecimento dos corpos, na passagem da pulsão de vida para a de morte. Quando o efeito calculado da indignação é um tapar de olhos e ouvidos, mortificar o corpo e bloquear o diálogo.

Em que medida é preciso destruir para abrir espaço? E em que medida a fogueira infertiliza a terra e nos envolve em uma nuvem irrespirável?

Acontece que não existe um fora dessa estrutura social.

Então, indago-me: o que há de existir entre “o aliado não é uma categoria estável”, proposição com que Jota Mombaça esgarça o tecido da história única, e a questão sobre “como fugir do desejo de sempre construir um inimigo em comum?” trazida por Lorenna Rocha?

Buscar inimigos comuns perpetua uma lógica de extermínio da diferença?

Como construir uma sociedade plural, verdadeiramente plural, não somente para as diferenças com as quais concordamos?

E como reconhecer o limite em que a discordância extermina até a possibilidade da diferença? 

Aqui, encontro ecos de falas e leituras do Juliano Gomes e da Sarah Ahmed, colocando em questão isso que separa o que chamamos de “nosso” do não nosso – o idêntico ao eu do “não eu”. Não somente para apontar quem cabe no “nós” e quem está excluído, mas para repensar essa lógica mesma de separação baseada na exclusão daquilo que não se espelha.

Como não se fechar diante do estranho a si?

Como combater as dicotomias que hierarquizaram os corpos sem erigir novas hierarquias?

Como fazer isso sem se limitar a aderir a discursos engajadores e a propagá-los repetidamente, desatentos ao gesto de repetir sem crítica?

“Que se diga é esquecido detrás do que se diz no que se ouve”, lembrou Lacan em O Aturdito.

Como sustentar a investigação da dimensão estética da experiência de estar no mundo, ali onde os discursos falham, onde nossos gozos se revelam, para além das rivalidades e maniqueísmos, nas frestas dos sentidos, nos encontros inesperados, onde se operem intervenções sutis?

E como fazer tudo isso sem nos implicarmos?

Não falo de heroísmos nem de salvacionismos. Implicar eticamente o corpo passa por uma experiência subjetiva de questionar ideais e o lugar que ocupamos nas idealizações.

Penso, por exemplo, na arte que “salva”. Salva quem? Não tenho dúvida de que a arte possa salvar aquele que encontra nessa expressão um espaço para existir (cada vez mais exíguo no modo de alta produtividade da vida colonizada pelo neoliberalismo e sua necropolítica). Mas não creio que o artista salve. Ainda bem.

Sem messianismos.

Como a arte pode manter-se próxima da política sem que o artista assuma a roupagem marketeira dos políticos? Próxima da criação (invenção) e longe da religião? Próxima do público sem submeter-se de todo à mercantilização?

A diferença que tento apontar aqui faz-se nos discursos e práticas. Quando a arte assume o discurso da salvação, da elevação moral, qualquer atrocidade (inclusive as trabalhistas) pode ser cometida em seu nome. Quando a arte assume o discurso da campanha política ou da publicidade, o público torna-se um grupo a ser convencido, sem dissenso nem autonomia.

*

Foi traumático (no sentido daquilo que fixa um antes e um depois) na minha trajetória assistir a debates entre representantes de grupos extremamente marginalizados, alvos de extermínio, com dificuldades à escuta um do outro. Saí em silêncio. Era preciso outro tempo. Outra lógica que não a da disputa.

Demorar na escuta antes de voltar a dizer.

*

Venho direcionando minha pesquisa para psicanálise e arte. Para o impacto da linguagem no corpo, suas consequências e aquilo que escapa. Para a lógica que não se encerra no universal: recusa decepar corpos para que caibam nas categorias e classificações. 

Talvez já fizesse isso quando fui pesquisar dramaturgia e presença no mestrado, ou dramaturgia convivial no doutorado, sem saber ao certo o que procurava, movida pelos impactos corporais deixados pelas minhas experiências como espectadora. Aqui encontro outra questão cara à crítica, e difícil: despir-se dos saberes prévios no corpo a corpo com os trabalhos artísticos, para redescobrir o mundo com eles e, daí, construir algum sentido.

Entretanto, esse não saber, elevado à máxima potência pela singular combinação do inferno político brasileiro (coletivo) com a radical experiência da maternidade (particular, mas também social), pôs-me diante de impasses que nem as teorias do teatro nem da sociologia nem da filosofia podiam fazer mais do que roçar. Então fui cutucar as feridas da língua, do dizer e do indizível no campo da investigação das subjetividades, para além das racionalidades.

Daqui escrevo agora, recuperando a voz, ensaiando um bem-dizer ainda trôpego e ruidoso. Para isso, abandono muito do que compreendi como crítica ao longo de quinze anos. Busco os desvios.

Tenho atentado, especialmente, ao lugar de comitê moral em que nos investimos como as juízas, os/es juízes de nosso tempo. A esse império do supereu em que nos encontramos nas redes sociais: essa dimensão tão intrigante do ser que Freud desenhou com os contornos legislativos de um imperativo categórico (“é proibido!”, “você não pode!”…), e que Lacan repropôs como imperativo de gozo (“você deve!”, “faça!”, “mais!”…).

O que se espera de um crítico, uma crítica, ainda?

Como evitar que a crítica torne-se um discurso legislador, moralizante e esterilizante?

O que há para a crítica além dessa demanda de regulação social? Um desregular, atrevido, que faça um furo no tecido instituído da arte e da vida para alinhavar outra forma provisória até que outro fio o atravesse?

Meu projeto de vida agora lança-se a uma investigação sobre como os discursos incidem nos corpos, quais ressonâncias nos mortificam e quais brechas abrem-se para que inventemos soluções imprevistas. Lança-se a tecer laços impermanentes entre o singular e o comum. A contribuir com a construção de uma sociedade plural, sem delírios salvacionistas, sem a imposição de uma diferença sobre as outras, mas sustentando a pergunta: como coexistirmos? E compreendendo a arte como território deslimitado onde, insistentemente, fabulam-se respostas, uma a uma.

*

Chego, então, a algumas propostas para persistir.

Mais fios soltos:

Recusar à crítica a função de legisladora ou juíza de um mundo-tribunal.

Recusar à crítica o lugar de saber autoritário, detentor de uma suposta verdade e do projeto ideal de sociedade, diante de um mundo a ser ensinado.

Procurar outro modo que não o imperativo para o laço social.

Implicar o corpo na linguagem, na cena, no problema e na proposição.

Fazer a crítica como quem faz dramaturgia.

Troçar os discursos prontos, reencontrar a palavra, revirar a palavra, repactuar a palavra. 

Estar advertida de que não há fora desse mundo-mercado: as revoluções são capturadas, reprocessadas e vendidas em hashtags estampadas.

Recuperar um esforço de historicização, que encontre no recuo um impulso ao amanhã.

Trilhar uma luta social em que o plural não sucumba à afirmação autoritária da identidade como lei.

Não esquecer que, seja qual for o corpo que ocupe essa posição, a lei do Um é patriarcal. 

Assumir um compromisso com a vida, entendida como existências plurais, dissonantes, dissensuais e desencontradas.

Um compromisso com a coexistência do que há de radicalmente diferente em cada ser vivente, a partir do que possamos transitar e inventar formas de laço.

*

Talvez, aprender a gingar.

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Iniciei este texto com uma pergunta sobre o sustento do gesto crítico. A boca que diz também come.

*

Nem tudo é manifesto.

 

 

 

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27/10/2021 TAGS: , , , BY: Luciana Romagnolli
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